domingo, 23 de febrero de 2014
Someone like you- Adele
Alicia García e Irene Martínez, interpretan a voz y piano el single "Someone like you" de Adele.
Sueña (El jorobado de Notre Dame)
Alicia García toca la canción "Sueña" de la película El jorobado de Notre Dame.
El resplandor de un genio (Shine)
Shine, es una película de 1996, que cuenta la historia real del pianista David Helfgott, quien sufrió un quebranto psicótico a causa de los malos tratos que le infligió su padre, y pasó algunos años en centros especiales.
Shine nos cuenta la dura vida de David, un niño prodigio, dominada por su estricto padre desde su infancia, hasta llegar a sus crisis nerviosas cuando es adulto. Cuando es aceptado en una prestigiosa escuela de música en Londres, David se siente capaz de huir de su padre y arriesgarlo todo por su única pasión, la música. Pero el rechazo de su padre y las presiones de su trabajo, acaban sumiéndole en una enfermedad mental. Sólo el amor de una mujer que le comprende de verdad, puede salvarle y devolverle a la sociedad para que ésta disfrute con su música.
Shine nos cuenta la dura vida de David, un niño prodigio, dominada por su estricto padre desde su infancia, hasta llegar a sus crisis nerviosas cuando es adulto. Cuando es aceptado en una prestigiosa escuela de música en Londres, David se siente capaz de huir de su padre y arriesgarlo todo por su única pasión, la música. Pero el rechazo de su padre y las presiones de su trabajo, acaban sumiéndole en una enfermedad mental. Sólo el amor de una mujer que le comprende de verdad, puede salvarle y devolverle a la sociedad para que ésta disfrute con su música.
Os recomendamos esta película, ya que enseña los valores de los músicos; por ejemplo, el agotador ensayo que realiza con la pieza nº 3 de un concierto de Rachmaninov, "la pieza más difícil que existe". Se convierte casi en la razón de vivir para el protagonista, desde que su padre le interesa por él a los 5 años (parece imposible que a esa edad pueda pedir que le enseñen a tocarlo), más tarde cuando se presenta con esa obra a un Premio Nacional australiano para jóvenes intérpretes que será ganado por otro pianista, y por fin cuando lo interpreta en Londres en el Royal Albert Hall, desmayándose nada más finalizar.
La ópera española en el Romanticismo
En España, hasta el siglo XIX hay una gran influencia de la ópera italiana, hasta el punto de que muchos compositores e intérpretes italianos van a presentar sus obras en las cortes y teatros de nuestro país.
Pero hacia el segundo cuarto del siglo XIX se intenta revitalizar un género propio que hasta ahora no había tenido gran éxito: La Zarzuela.
La zarzuela española no es una ópera como tal, ya que intercala los fragmentos cantados con los hablados. Los argumentos de este género suelen ser cotidianos y cercanos al público, con notas cómicas abundantes. El lenguaje que se usa es también sencillo y asequible para espectadores sin grandes
conocimientos musicales.
Francisco Asenjo Barbieri es uno de los compositores que inicia la recuperación del género con la llamada "Zarzuela Grande", obras largas en tres actos con frecuente uso de coro y predominio de las partes cantadas. Estas obras contaban con un amplio despliegue de medios técnicos y escenográficos. Entre sus obras podemos destacar "El Barberillo de Lavapiés", "Jugar con Fuego" y "Pan y Toros".
A partir de mediados de siglo y en gran parte por motivos económicos, la zarzuela se hace más simple y popular. Se crea así el denominado "Género Chico", que se desarrolla en un sólo acto, reduce el número de personajes y el despliegue de medios. En este género predominan las partes habladas sobre las cantadas. Es por lo tanto una zarzuela más económica al gusto de las clases más populares.
Los autores principales de este género son Federico Chueca con zarzuelas muy conocidas, como "La Gran Vía" y "Agua, azucarillos y aguardiente", Tomás Bretón con "La verbena de la paloma" y Ruperto Chapí con "La Revoltosa" entre sus obras más destacadas.
Pero hacia el segundo cuarto del siglo XIX se intenta revitalizar un género propio que hasta ahora no había tenido gran éxito: La Zarzuela.
La zarzuela española no es una ópera como tal, ya que intercala los fragmentos cantados con los hablados. Los argumentos de este género suelen ser cotidianos y cercanos al público, con notas cómicas abundantes. El lenguaje que se usa es también sencillo y asequible para espectadores sin grandes
conocimientos musicales.
Francisco Asenjo Barbieri es uno de los compositores que inicia la recuperación del género con la llamada "Zarzuela Grande", obras largas en tres actos con frecuente uso de coro y predominio de las partes cantadas. Estas obras contaban con un amplio despliegue de medios técnicos y escenográficos. Entre sus obras podemos destacar "El Barberillo de Lavapiés", "Jugar con Fuego" y "Pan y Toros".
A partir de mediados de siglo y en gran parte por motivos económicos, la zarzuela se hace más simple y popular. Se crea así el denominado "Género Chico", que se desarrolla en un sólo acto, reduce el número de personajes y el despliegue de medios. En este género predominan las partes habladas sobre las cantadas. Es por lo tanto una zarzuela más económica al gusto de las clases más populares.
Los autores principales de este género son Federico Chueca con zarzuelas muy conocidas, como "La Gran Vía" y "Agua, azucarillos y aguardiente", Tomás Bretón con "La verbena de la paloma" y Ruperto Chapí con "La Revoltosa" entre sus obras más destacadas.
Zarzuela "La Gran Vía"
Romanticismo - Siglo XIX
En 1815 se celebra el congreso de Viena, que dibuja las nuevas fronteras políticas europeas. La burguesía ha tomado el poder social y sus ideales de libertad quedarán patentes en todos los ámbitos de la sociedad. La revolución industrial se impone en todos los lugares con sus enormes consecuencias
económicas, sociales y culturales.
El principio fundamental del Romanticismo es la búsqueda de la exaltación de las pasiones. En esta época de anhelo de libertad, los artistas se independizan de los mecenas y van a crear obras para un público que en ocasiones le adora.
Los artistas románticos, cansados de la perfección formal del Clasicismo, buscan nuevas formas de expresión. Los artistas van a ser considerados genios creadores
que son reconocidos como tales por el resto de la gente. Otro concepto que
triunfa en la época es el de "el arte por el arte".
Entre los compositores más prominentes de esta corriente se encuentran Carl M. von Weber, Niccolò Paganini, Franz Liszt y Frédéric Chopin.
Durante la segunda mitad del siglo XIX, del romanticismo derivará una corriente nacionalista: de la exhaltación de la identidad personal se pasa a la exhaltación de la identidad nacional.
Desde Italia, el país donde había nacido la ópera, esta técnica se difundió por toda Europa, para ser aprendida y luego rechazada en favor de procedimientos nacionalistas.
Puede considerarse a Richard Wagner como el artista culminante del romanticismo en la música. Ningún compositor se ha visto libre de su influencia, aunque en ocasiones tomara la forma de una reacción violenta y apasionada. Incluso los compositores alemanes que dieron nueva vida a la sinfonía estuvieron bajo su influencia: Johannes Brahms, Bruckner, Mahler, Piotr Chaikovski.
El legado del romanticismo musical es tan complejo como sus orígenes. El impresionismo y el expresionismo deben mucho a las ideas románticas; incluso subsiste cierto romanticismo reprimido en la obra de un compositor tan antirromántico como Stravinski, mientras que un romanticismo más abierto ha guiado las ideas de compositores tan cercanos a la música del siglo XX como Leos Janácek y Béla Bartók. A pesar de ello, ya estaban surgiendo nuevas ideas durante la primera década del nuevo siglo, y el romanticismo no alcanzó el año 1914 como idea artística central.
Autores del Clasicismo
LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827 Alemania)
Nació en Bonn, tuvo una infancia problemática. Su padre era cantante de capilla del Elector de Bonn, adicto al alcohol y violento, que al descubrir el talento musical de su hijo, le puso bajo un estricto régimen de estudios de piano. Más tarde sufriría la pérdida de su madre.
En Viena conoce a Mozart, que no se entusiasma mucho con el joven talento de Beethoven. Posteriormente conoce a Haydn, quien lo invitó a estudiar con él en Viena, donde acude en 1792 para instalarse definitivamente, pero el genio indomable y rebelde de Beethoven busca nuevos horizontes y pasiones de creación musical, por lo que acude a nuevos profesores y nobles que lo apoyen.
En 1801 comienzan los primeros síntomas de sordera, a los que seguirán problemas psicológicos, por lo que en 1812 redacta el conocido como Testamento de Heiligenstadt, casi al borde del suicidio.
De espíritu perfeccionista, hizo múltiples correcciones de sus manuscritos, por lo que su catálogo de obras no es tan abundante como cabría esperar.
Su estilo sinfónico influiría en las siguiente generaciones de compositores y se proyecta
hasta bien entrado el siglo XX.
FRANZ JOSEPH HAYDN (1732-1809 Austria)
Compositor austríaco. Junto a Mozart y Beethoven, es una de las figuras claves del Clasicismo, considerado creador de la sinfonía, la sonata y el cuarteto de cuerdas.
De origen humilde, estudia música con un pariente y luego en Viena. Más tarde, recibirá clases de Porpora, a través del cual conoce la obra de Gluck.Sin embargo, su mejor amigo fue el joven prodigio Mozart, veinticuatro años
menor que él. Fue profesor de Beethoven, pero no llegaron a congeniar.
Su talento maduró lentamente y fue modelo de la evolución del lenguaje artístico. Su música se caracteriza por su buen humor y picardía, aunque también ha creado pasajes de gran profundidad. Su amplio catálogo abarca 108 sinfonías, 68 cuartetos de cuerda, 47 sonatas para piano, 26 óperas, algunas misas y un Stabat Mater.
WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791 Austria)
Compositor austríaco considerado el más grande genio de la música de todos los tiempos. Con una vida de sólo 35 años fue capaz de cultivar con excelencia todos los géneros, desde la música sacra y coral hasta la ópera, pasando por la sinfonía y la
música de cámara, representando junto a Haydn y Beethoven la cúspide del Clasicismo musical.
Su padre, Leopoldo, ejerció una notable influencia en él, como maestro de composición y violín, dedicado en exclusiva a la educación y el sueño precoz de su hijo. Siendo niño, exhibió sus habilidades interpretativas y creativas en Francia,
Inglaterra, Holanda, así como en las principales ciudades austríacas y alemanas.
Nació en Bonn, tuvo una infancia problemática. Su padre era cantante de capilla del Elector de Bonn, adicto al alcohol y violento, que al descubrir el talento musical de su hijo, le puso bajo un estricto régimen de estudios de piano. Más tarde sufriría la pérdida de su madre.En Viena conoce a Mozart, que no se entusiasma mucho con el joven talento de Beethoven. Posteriormente conoce a Haydn, quien lo invitó a estudiar con él en Viena, donde acude en 1792 para instalarse definitivamente, pero el genio indomable y rebelde de Beethoven busca nuevos horizontes y pasiones de creación musical, por lo que acude a nuevos profesores y nobles que lo apoyen.
En 1801 comienzan los primeros síntomas de sordera, a los que seguirán problemas psicológicos, por lo que en 1812 redacta el conocido como Testamento de Heiligenstadt, casi al borde del suicidio.
De espíritu perfeccionista, hizo múltiples correcciones de sus manuscritos, por lo que su catálogo de obras no es tan abundante como cabría esperar.
Su estilo sinfónico influiría en las siguiente generaciones de compositores y se proyecta
hasta bien entrado el siglo XX.
FRANZ JOSEPH HAYDN (1732-1809 Austria)
Compositor austríaco. Junto a Mozart y Beethoven, es una de las figuras claves del Clasicismo, considerado creador de la sinfonía, la sonata y el cuarteto de cuerdas.De origen humilde, estudia música con un pariente y luego en Viena. Más tarde, recibirá clases de Porpora, a través del cual conoce la obra de Gluck.Sin embargo, su mejor amigo fue el joven prodigio Mozart, veinticuatro años
menor que él. Fue profesor de Beethoven, pero no llegaron a congeniar.
Su talento maduró lentamente y fue modelo de la evolución del lenguaje artístico. Su música se caracteriza por su buen humor y picardía, aunque también ha creado pasajes de gran profundidad. Su amplio catálogo abarca 108 sinfonías, 68 cuartetos de cuerda, 47 sonatas para piano, 26 óperas, algunas misas y un Stabat Mater.
WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791 Austria)
Compositor austríaco considerado el más grande genio de la música de todos los tiempos. Con una vida de sólo 35 años fue capaz de cultivar con excelencia todos los géneros, desde la música sacra y coral hasta la ópera, pasando por la sinfonía y lamúsica de cámara, representando junto a Haydn y Beethoven la cúspide del Clasicismo musical.
Su padre, Leopoldo, ejerció una notable influencia en él, como maestro de composición y violín, dedicado en exclusiva a la educación y el sueño precoz de su hijo. Siendo niño, exhibió sus habilidades interpretativas y creativas en Francia,
Inglaterra, Holanda, así como en las principales ciudades austríacas y alemanas.
El Clasicismo 1750 - 1827
La música del clasicismo se define como el reino de la melodía que busca la simetría.
El Clasicismo es un periodo que se sitúa entre el Barroco y el Romanticismo. Suele fecharse entre 1750 (muerte de J.S.Bach) y 1827 (año en el que muere Beethoven). Es una etapa corta que marca
la transición de la Edad Moderna a la Edad Contemporánea.
En este periodo se produce una vuelta a los ideales de la cultura clásica grecorromana, basados en el equilibrio, la sencillez y la belleza; por ello, en el resto de las artes se conoce a este periodo como "Neoclasicismo".
No sucede esto con la música, ya que no pueden copiar los modelos clásicos porque se han conservado; sin embargo, sí van a compartir la “búsqueda de la belleza” y la “perfección formal”.
Entre los precursores de la música de este periodo podemos nombrar a dos de los hijos de Bach, pero los tres compositores que se van a convertir en las grandes figuras de este periodo son Haydn, Mozart y Beethoven, que trabajarán en Viena.
La música religiosa va a estar en decadencia en esta época, ya que tanto la música instrumental como la ópera se van a convertir en géneros mucho más solicitados por el público.
La única música religiosa que destacará es un tipo de misa especial que va a adquirir gran importancia en este periodo es el Réquiem.
El Réquiem es la música compuesta para la misa de los difuntos de la Iglesia católica. Dicha música es ligeramente distinta de la de otras misas, ya que se prescinde de las partes consideradas demasiado alegres para una ocasión de dolor.
Este periodo es el más importante para el género operístico.
Este género, nacido en el Barroco, experimentará durante el Clasicismo un cambio, se eliminarán los excesos barrocos y se tenderá a la naturalidad y acercamiento del argumento al público.
A mediados del siglo XVIII, y especialmente en Francia, la ópera seria había alcanzado una gran complejidad y artificiosidad: los argumentos sobre temas mitológicos eran demasiado sofisticados y difíciles de entender.
En 1752 se produjo un cambio, ya que una compañía ambulante de ópera se instaló en París y presentó la famosa ópera bufa de Pergolesi "La serva padrona".
Su éxito fue muy grande, hasta tal punto que se crearon dos bandos, uno que va a defender este tipo de ópera y otro que va a estar en contra. A este enfrentamiento se le conoce como "La querella de los bufones".
En una lado estarán los que defendían la tradición de la ópera seria francesa, mucho más elaborada que la ópera bufa italiana, a la que acusaban de frívola y superficial. Encabezaba este grupo Rameau.
En el otro bando, estaban los defensores de la ópera bufa que había llegado desde Italia, la cual consideraban que se ajustaba mejor a los ideales del Clasicismo de sencillez y claridad. Era
mucho más fácil de entender para todo tipo de público, ya que sus argumentos eran mucho más cercanos al pueblo y además destacaban por la belleza de sus melodías. Al frente de este grupo estaba Rouseau y algunos otros enciclopedistas.
Se trata por lo tanto de una ópera mucho más fresca y alegre que la ópera seria. Esto no es extraño si tenemos en cuenta que su principal misión era la de entretener al público, cada vez más amplio y sin conocimientos musicales.
Mozart, que como hemos dicho será uno de los principales compositores de este género, escribirá óperas bufas tanto en italiano (Las bodas de Fígaro) como en alemán (La flauta Mágica). La ópera bufa italiana llegó a toda Europa. En Alemania se denominó Singpiel y en Francia se llamó Ópera Cómique.
Durante el periodo del Clasicismo los instrumentos experimentan cambios notables. Algunos de los instrumentos de la época barroca van cayendo en desuso. Por ejemplo el clave es reemplazado por el piano, que posee mejores posibilidades dinámicas que el primero. Otros como el laúd, la flauta de pico o la viola de gamba tienden a desaparecer, ya que sus características tímbricas no se
adecuaban al nuevo estilo musical.
El clave se sustituirá por el piano actual.
Otros instrumentos, sobretodo los de viento, mejorarán sus posibilidades ya que serán mejorados técnicamente por los constructores. Esto permitirá ampliar registros, mejorar timbres,…
Una de las grandes aportaciones del Clasicismo fue la mejora e incorporación del clarinete a la orquesta. Este instrumento de viento fascinó a Mozart, que compuso para él uno de sus más bellos conciertos.
Piano Tribute Players
La identidad de Piano Tribute Players ha permanecido en el anonimato desde que comenzaron a subir sus versiones al piano de las canciones más famosas del momento a principios de 2008.
Con más de 460 sencillos y discos, aún nos siguen sorprendiendo.
¿Cómo funciona el piano?
El mecanismo de funcionamiento del piano es un conjunto de palancas, muy complejo cuyo objetivo es controlar el golpe del macillo a la cuerda y ofrecer la posibilidad de que el pianista pueda cambiar a su gusto la expresión del sonido.
Al pulsar la tecla, el apagador se eleva, a la vez que el macillo recubierto de fieltro golpea la cuerda con la misma fuerza que se ha ejercido.
El sistema de resonancia es bastante más complicado de entender, así que os dejamos un vídeo explicando su funcionamiento.
sábado, 22 de febrero de 2014
viernes, 21 de febrero de 2014
Cañas para oboe
Para poder hacer posible el sonido al oboe, hace falta tener una caña.
¿Qué es una caña de oboe?
Palas para la caña del oboe.
Tudel para la caña del oboe.
Para que las cañas estén en una forma especifica, hace falta mucho trabajo y esfuerzo, y sobretodo materiales, y la verdad es que no son muy económicos, pero por tu hermano el oboe haces lo que sea posible.
Los materiales que se usarán para hacer una caña, son:
- Una pala.
- Un tudel.
- Hilo para cañas.
- Tudelero.
- Navaja.
- Pestaña para cañas de oboe.
- Regla para medir la caña (La caña necesita tener unas medidas exactas si quieres que suene, y suene bien).
Tras varias horas de trabajo y esfuerzo con materiales para realizar cañas de oboe, así quedarían.
¿Qué es una caña de oboe?
Las cañas del oboe, están compuestas por una pala y tudel. Para que la pala llegue a estar como está, debe someterse a demasiados procedimientos.
Palas para la caña del oboe. Tudel para la caña del oboe.Los materiales que se usarán para hacer una caña, son:
- Una pala.
- Un tudel.
- Hilo para cañas.
- Tudelero.
- Navaja.
- Pestaña para cañas de oboe.
- Regla para medir la caña (La caña necesita tener unas medidas exactas si quieres que suene, y suene bien).
Tras varias horas de trabajo y esfuerzo con materiales para realizar cañas de oboe, así quedarían.
EL PIANO
El piano es
un instrumento musical clasificado como instrumento de teclado de cuerdas
percutidas por el sistema de clasificación tradicional. El músico que toca el
piano recibe el nombre de pianista.
Piano de pared
Piano de cola
El piano
está compuesto por una caja de resonancia, a la que se ha agregado un teclado
mediante el cual se percuten las cuerdas de acero con macillos forrados de fieltro,
produciendo el sonido.
Teclado. (Blancas para tonos, exceptuando fa-mi y si-do, y negras para semitonos)
Las
vibraciones se transmiten a través de los puentes a la tabla armónica, que los
amplifica.
Está formado
por un arpa cromática de cuerdas múltiples, accionada por un mecanismo de
percusión indirecta, a la que se le han añadido apagadores.
Fue
inventado en torno al año 1700 por el paduano Bartolomeo Crsitofori.
domingo, 16 de febrero de 2014
miércoles, 12 de febrero de 2014
EL OBOE
El oboe (del francés, hautbois) es un instrumento musical
que pertenece a la familia de viento madera. Su forma es de taladro cónico,
cuyo sonido se emite mediante la vibración de una lengüeta doble (denominada
caña) que hace de conducto para el soplo de aire.
Es un instrumento melódico
capaz de hacer pasajes muy suaves y expresivos, sin embargo, para tocar este
instrumento se necesita una gran capacidad pulmonar. Su timbre se caracteriza
por una sonoridad penetrante, mordente y algo nasal, dulce y muy expresiva.
Para tener un sonido bonito, hace falta tener un gran control de la presión del
diafragma y de la lengüeta.
El oboe, es empleado sólo en música concertante, música de
cámara, orquesta sinfónica o banda musical. El oboe moderno representa en la
orquesta al conjunto de la familia.
El oboe fue creado en el barroco por Jean Hoteterre, por eso
las obras para oboe, proceden del repertorio barroco y en esta época el oboe
destacó demasiado. Se tocaba con un oboe barroco. A partir del renacimiento en
el siglo XIX, empieza a tocarse con el oboe moderno, hasta nuestros días.
Algunos de los compositores más destacados en el mundo del
oboe son…
Haendel, Haydn, Telemann, Albinoni, Vivaldi, Lebrun,
Britten,…
Según la RAE la persona que toca el oboe, se denomina
oboísta.
Presentación del oboe
Voy a
presentar un poco el oboe. Voy a explicar que instrumento es, como se utiliza,
etc. Para ello, he querido realizar varios tipos de preguntas que utilizaré para
definir cada instrumento.
1. Definición del oboe.
2. ¿Dónde se utiliza?
3. ¿Cuándo se inventó?
4. Compositores célebres del oboe.
Familias de instrumentos
Los instrumentos se clasifican en tres tipos, uno de ellos
se divide en dos.
FAMILIA DE VIENTO
VIENTO MADERA
VIENTO MADERA
Flautas, oboe, clarinete, fagot y saxofón.
VIENTO METAL
Trompeta, trompa, trombón, tuba y bombardino.
FAMILIA DE CUERDA
CUERDA PERCUTIDA
En los instrumentos de cuerda percutida, la cuerda es golpeada por una especie de maza. A este grupo pertenecen todos los tipos de pianos.
CUERDA PULSADA
CUERDA PERCUTIDA
En los instrumentos de cuerda percutida, la cuerda es golpeada por una especie de maza. A este grupo pertenecen todos los tipos de pianos.
CUERDA PULSADA
Son aquellos en los que obtenemos el sonido pulsando la cuerda con la yema de los dedos o con una púa.
Los más importantes son: la guitarra, el arpa y el laúd.
Los más importantes son: la guitarra, el arpa y el laúd.
CUERDA FROTADA
Los instrumentos de la familia de cuerda frotada son aquellos en los que frotamos las
cuerdas con un arco para conseguir el sonido.
Son: el violín, la viola, el violoncello y el contrabajo.cuerdas con un arco para conseguir el sonido.
FAMILIA DE PERCUSIÓN
Hay multitud de instrumentos de percusión, se dividen en:
AFINADOS
Tienen una altura determinada. Instrumentos como: xilófono, marimba...
NO AFINADOS
Tienen una altura indefinida. Instrumentos como los platos, el bombo...
Hay multitud de instrumentos de percusión, se dividen en:
AFINADOS
Tienen una altura determinada. Instrumentos como: xilófono, marimba...
NO AFINADOS
Tienen una altura indefinida. Instrumentos como los platos, el bombo...
Bienvenidos a "Pasión por la música"
Hola a todos, somos Alicia e Irene. Estamos en el
conservatorio y cursamos, 6º Enseñanzas Profesionales
de oboe (Alicia) y 4º Enseñanzas Profesionales de piano (Irene). Nos gusta la
música clásica y moderna, y queríamos compartir un poco de nuestros gustos con
vosotros. Por ejemplo, os demostraremos nuestras enseñanzas subiendo algunos
videos de obras interpretadas por nosotras. Esperamos que os guste. Muchos
saludos!
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